TIMES TO REMEMBER 39

BLOODWYN PIG: "Getting To This"

Original released on LP A&M SP 4243

(US 1970, April 10)

This is the second excellent album by Blodwyn Pig; had it come 1-2 years earlier, it could have been more successful. Compositionally and with instrumental chops, the chaps are in the top league of blues-rock. Ambitions beyond blues-rock are still apparent as featured on the masterpiece "San Francisco Sketches". Excellent dynamic drumming and guitar-saxophone tandem will immediately catch listener's attention. Busy bass guitar offers very good elasticity to the sound, listen to the instrumental "The Squirelling Must Go On" or "Variations on Nainos" where bass guitar can also play the lead melody. Flute is a welcome addition to a couple of songs and might be a Jethro Tull reference. Abrahams is a brilliant blues-rock guitar player but has no hesitation to dabble in jazz world with jazzy chords. "See My Way" is a great example of a tight bass/drum collaboration, one that others could envy. The most sophistication comes with with a strong and ambitious tandem of "The Squirelling Must Go On" and "San Francisco Sketches", the latter cone composed of multiple sections. A quiet flute-led folk part followed by jazz-prog part, then comes a short hippie-vocal inspired moment that turns into a jazz saxophone soloing. Incredible piece of music. On another hand, having "Toys" as a intimate guitar-vocal piece and fitting Abrahams vocal. "Send Your Son to Die" has vocals that remind me of Cream.  (Stanley Sgtpepper in AllMusic)

TIMES TO REMEMBER 38

MOUNTAIN: "Climbing!"

Original released on LP Windfall 4501

(US 1970, March 7)

Mountain was the combined forces of Leslie West, a gigantic guitarist/vocalist who had played with New York garage-psych rockers the Vagrants, and Felix Pappalardi. Pappalardi had a slightly more impressive track record, coming from the modern East Coast folk-rock movement (the Youngbloods), before he applied his production skills to Cream. Through this, Felix never really stopped playing and eventually formed Mountain. Often billed as a junior-league version of Cream, "Climbing!" had a lot of things going for it as well. Indeed, West was a changed man from the moment he saw Clapton play, and Pappalardi was able to help him achieve the exact same tone Clapton employed on "Disraeli Gears". The hit off "Climbing!", "Mississippi Queen" is a boogie classic, and it paved the way for countless imitators such as J. Geils Band, Foghat, and others. There are a lot of other great tracks here, such as "Never in My Life," which was an FM radio staple at the time. (Matthew Greenwald in AllMusic)

This album reflects very much the Psychy-Bluesy music of the moment. Even it's pretty short, there's some really cool tracks like "Mississippi Queen" or "For Yagur's Farm". I prefere this boogie ones better thant the slow ones, that there are some, but at the end this album has some kind of magic that makes it unique ande very geniuine. Great vocals, great guitars and a warm feeling on most of the tracks. I just get sad when the most of the tracks get shorter for fade out's fault. I feel I'm missing great music! (Benjamin Garcia in AllMusic)

TIMES TO REMEMBER 37

MOTT THE HOOPLE: "Mad Shadows"

Original released on LP Island ILPS 9119

(UK, September 1970)

If Mott the Hoople's debut album cheerfully careened all over the place, their second, "Mad Shadows", has one direction - downward into dense murk. Cutting out most of their humor and ratcheting up the volume, the group turns out seven songs that alternate between thundering rockers and sludgy introspection. This all sounds good on paper, but "Mad Shadows" isn't a thrilling journey into the darkside, simply because the band and producer Guy Stevens are so unfocused that it barely holds together, despite such fine moments as the rampaging "Walkin' with a Mountain" and the closing ballad "When My Mind's Gone." Any record with songs as strong as these is worth hearing, and it's possible to find the confusion itself rather fascinating, but only if you're dedicated enough to delve into darkness with the band. Otherwise, this is primarily of interest as a transitional affair, with its best moments showcased on the excellent compilation, "Backsliding Fearlessly". (Stephen Erlewine in AllMusic)

TIMES TO REMEMBER 36

THE ASSEMBLED MULTITUDE Album

Original released on LP Atlantic SD 8262

(US, 1970)

The Assembled Multitude was an instrumental ensemble, consisting entirely of studio musicians, which music producer Tom Sellers organized in Philadelphia, Pennsylvania in 1970. The "Multitude" released a self-titled album on the Atlantic Records label in 1970, which included interpreted versions of songs such as "Woodstock", "Ohio", "MacArthur Park", "While My Guitar Gently Weeps", and "Overture", from The Who's "Tommy". The last of these was released as a single and reached No. 16 on the US Billboard Pop Singles chart. Sellers, who otherwise enjoyed only minor success as a music producer, died in a house fire in March 1988. Many of the musicians in the ensemble were regulars at Sigma Sound Studios, where the album was recorded. Those musicians became, as MFSB, the backbone of Philadelphia soul, working with producers Gamble and Huff, and Thom Bell, and artists such as The O'Jays, Billy Paul, The Stylistics, and Harold Melvin & the Blue Notes.

The GEORGE BAKER SELECTION Debut Album

Original released on LP Negram NELS 551

(NETHERLANDS, 1970)

He had a hit with the title song, but for most latter-day pop listeners, the George Baker Selection is known for that song because it provided an oddly appropriate opening salvo for Quentin Tarantino's classic "Reservoir Dogs". For most listeners of the early '70s and the early '90s, the best way to hear the GBS is to just listen to those three minutes of magic, but if you find that song endlessly listenable, then "Little Green Bag" is a pretty fun listen. And it's a bit weirder than expected too, displaying a bizarre Europop vibe that keeps it interesting decades after its original release. No, there's nothing here that's nearly as good as the title track, but, as an artifact, it has its merits. (Stephen Erlewine in AllMusic)

TIMES TO REMEMBER 35

TIMES TO REMEMBER 34

"LET IT BE" - A Obra Maldita dos Beatles

Original released on LP Apple PCS 7096

(UK 1970, May 8)

Ainda eles! O tom desta exclamação podia variar até ao infinito, exprimir o entusiasmo mais intenso ou o aborrecimento mais profundo, consoante... consoante o quê? Consoante se seja “menino pop” ou progressista convicto? Adepto da sociedade de consumo ou do “underground”? A evolução das reacções do público em redor de cada nova obra dos Beatles são de tal modo significativas, que lembram cada vez mais a morte de um grande amor. Embora tudo isso seja relativo, pois se nos formos a fiar nos números, o grupo nunca foi tão popular. O público de que falávamos, aquele que queima hoje o que adorou ontem, não constitui mais do que uma pequena minoria. Aquele que se compõe de “conhecedores”, dos “verdadeiros amantes do pop”, aquele que está ao corrente de tudo o que se faz. Essa não julga os Beatles senão comparando-os com o que fazem os outros conjuntos, não tomando como termo de comparação apenas os mais progressistas e para afirmar que em relação a eles, os Beatles estão já ultrapassados.

É certo que eles estão ultrapassados. É certo que Jimi Hendrix ou o Lifetime de Tony Williams vão um pouco mais longe. E depois? Apesar de tudo eu defendo-os, enquanto todos os atacam, e porque o seu último album, “Let It Be”, me agrada. Sim, eu defendo-os, porque sempre fizeram música boa. Muito boa mesmo, porque continuam a ser os mestres incontestáveis da melodia “pop” e maravilhosos intérpretes, e porque, sobretudo, oh! sobretudo porque não se tomam a sério (escutem o anteentróito de “Let It Be”, aquela vózinha ridícula que anuncia: «E agora vamos tocar “Todos os anjos vieram”»). Que o conjunto não progrediu tècnicamente desde o LP “Sgt. Pepper’s”? É incontestável. E depois? Evoluiram por ventura os Stones? O mal é que sempre nos habituámos a pedir o impossível aos Beatles. Era necessário que eles tivessem permanecido os compositores que são, os intérpretes que são, e ainda que rivalizassem em virtuosismo com Jimi Hendrix ou Clapton. Enfim, eles deixaram de existir como conjunto e esta será a última ocasião que os seus detractores terão para os apunhalarem pelas costas.

Como é de “Let It Be” que queremos falar, digamos imediatamente que este disco demonstra pelo menos, cabalmente, uma coisa: que quatro Beatles juntos valem muito mais do que três Beatles separados, pelo menos. Comparado aos pobres albuns de Ringo e de Paul, este pode fàcilmente fazer figura de obra-prima. Não contém surpresas, é certo. Mas quem desconhece que o tempo das surpresas para os Beatles-grupo já passou? Escutar Paul em “Let It Be”, e escutá-lo no seu próprio album é chegar à conclusão de que ele, mais talvez do que os outros três, perdeu bastante ao precipitar a dissolução do conjunto. Cantor soberbo e compositor inspirado, brilha aqui com um singular aparato, enquanto que solitário, não é mais do que um bom artista no meio de tantos outros.

Porquê? Talvez porque os Beatles não sejam em grupo, a expressão real daquilo que são como indivíduos. Talvez porque fabricassem a quatro, com técnicas comprovadas, receitas repetidamente comprovadas, uma arte totalmente estranha à sua mentalidade e às suas preocupações de momento. Uma arte distanciada, inexpressiva, mas à qual, e é aí que intervem o milagre Beatles, o inexplicável que podemos classificar de genial, por não sabermos qual procedimento ou qual profunda sensibilidade (não pode ser outra coisa senão a consciência profissional) o grupo lograva sempre encher uma parcela de vida, um rasgo de bom humor. E é aí que intervém o paradoxo que ilustra admiràvelmente a fuga solitária de Paul: sem motivação real, a sua arte era infinitamente superior à que se propõe hoje em dia, a que se deseja ser o reflexo da sua vida sentimental.

O caso de Ringo é diferente, pois de instrumentista (e não sabemos quão inexpressivo instrumentista ele é), tornou-se cantor, mudança que exclui toda a possibilidade de julgamento. E George? É preciso esperar o seu album com Dylan para podermos falar, pois seria bastante injusto condená-lo musicalmente tendo em vista os discos que produziu. O caso de John é de longe o mais interessante, pois é o único dos Beatles a possuir uma mensagem tão forte, que consegue ultrapassar o conjunto. Existe atrás da facilidade de escrita (musical) de John, qualquer coisa que é uma poderosa motivação e que lhe permite criar sózinho (com Yoko, mas Yoko é ele), uma arte renovada, menos açucarada do que a dos Beatles, menos rica melódica e harmoniosamente, mas com um impacto mais raivoso. Ao contrário dos seus três amigos, John é frequentemente visitado pela inspiração na vida de todos os dias. Resta-nos, pelo menos, isso. Isso e “Let It Be” - disco e “souvenir” maravilhoso.

(in revista "Tempo" nº 1, Lourenço Marques, 20 de Setembro de 1970 - tradução de um artigo aparecido no nº 41 da revista francesa "Rock & Folk", em Junho de 1970 e assinado por Philippe Paringaux)

Original released on CD EMI-Apple

(UK 2003, November 18)

Trinta e três anos depois da primeira edição de “Let It Be”, apareceu no mercado este CD, intitulado “Let It Be… Naked”. Ao contrário do que a publicidade insistia em afirmar na altura, esta não é a versão “despida” do album original (as diferenças vão um pouco mais além da eliminação dos arranjos de Phil Spector...) nem muito menos a “melhor” versão. Mas vamos por partes, e recuemos um pouco no tempo.

Outubro de 1968: Acabadas as gravações dos temas que iriam constituir o chamado “White Album”, John Lennon começou a sentir a necessidade de simplificar os meios de produção e o desejo de gravar um album à moda antiga, com um som directo e básico, sem quaisquer efeitos de estúdio. Paul concordou indo ainda um pouco mais longe: e porque não filmar os Beatles em estúdio a gravarem o novo album? Meu dito meu feito, e as filmagens começaram no dia 2 de Janeiro de 1969 para virem a terminar a 30 desse mês com a famosa actuação no telhado dos estúdios da Apple, em Saville Row. Devendo inicialmente chamar-se “Get Back”, o album seria constituído pelos seguintes temas: “One After 909”, “Save The Last Dance For Me”, “Don’t Let Me Down”, “Dig A Pony”, “I’ve Got A Feeling”, “Get Back”, “For You Blue”, “The Walk”, “Teddy Boy”, “Two Of Us”, “Maggie Mae”, “Dig It”,” Let It Be” e "The Long And Winding Road”. Allen Klein, que tinha sido contratado no início de Fevereiro para tomar conta dos negócios dos Beatles, sugeriu que o filme, já rodado em 16 mm, fosse convertido para 35 mm, o que possibilitaria a sua passagem nos cinemas e não apenas na televisão. Assim, o album, que funcionaria como uma espécie de banda sonora, deveria aguardar a conclusão do trabalho para ser lançado simultâneamente com o filme.

Entretanto diversos factos iam acontecendo na vida dos 4 Beatles: Paul casa-se com Linda Eastman a 12 de Março e vai para a América em lua-de-mel; John segue-lhe o exemplo uma semana depois, desposando Yoko Ono em Gibraltar e iniciando de imediato o célebre bed-in em Amsterdam; Ringo começa a filmar “The Magic Christian”; George vai tocando em diversos albuns (de Jack Bruce, dos Cream, de Billy Preston); Paul produz o 1º album de Mary Hopkin (“Post Card”); John e Yoko começam a gravar temas para um segundo album experimental (“Unfinished Music nº 2: Life With The Lions”) e promovem a difusão, um pouco por todo o lado, do filme “Rape”, também ele experimental; são editados mais dois singles dos Beatles: “Get Back/Don’t Let Me Down” a 11 de Abril e “The Ballad of John and Yoko/Old Brown Shoe” a 30 de Maio. Tudo isto vai esmorecendo o interesse pelos temas gravados naquele mês de Janeiro (que seriam em breve difundidos em inúmeras edições piratas) e em Junho os Beatles iniciam as gravações daquele que viria ser a sua derradeira coroa de glória, o magnífico “Abbey Road”.

Dada a falta de tempo, John Lennon convida o produtor Phil Spector a criar um novo album a partir das gravações de Janeiro, alterando o nome para “Let It Be”. Spector inicia então uma pesquisa por dezenas de horas de gravações (cada tema tinha variadissimas versões), dando largas aos seus excessos criativos. O produto final acaba por ficar pronto apenas depois dos Beatles editarem “Abbey Road” a 26 de Setembro de 1969. E a primeira edição, especial (numa caixa com um livro), é editada já em 1970, no dia 8 de Maio, um mês depois de Paul ter anunciado a dissolução do grupo. As vendas não são famosas e seis meses depois, a 6 de Novembro, o album é re-editado, agora já sem o livro.

Ao longo dos anos “Let It Be” ficou sempre ligado à tristeza da separação e com o estigma do album rejeitado, do “filho ilegítimo”. E pelos vistos continua, pois esta edição de “Let It Be... Naked” (péssimo título para uma capa também ela vergonhosa) está longe de agradar a gregos e a troianos. Mas vejamos então as diferenças. De um modo geral, pode dizer-se que o som proveniente da nova remasterização é bastante superior ao original. Só que… as faixas não são exactamente as mesmas. “Maggie Mae” e “Dig It” (que funcionavam mais como separadores do que como verdadeiras canções) desapareceram, dando lugar a "Don’t Let Me Down”, na versão tocada no telhado da Apple Studios e que está a anos-luz da versão de estúdio editada em single. Todos os temas incluídos em “... Naked” são de duração inferior à do album original, em virtude de todas as introduções e finais terem sido inexplicavelmente abolidos. Não se entende muito bem esta decisão, até porque se tratava de uma imagem de marca do album original. “Get Back”, que até tem agora um som magnífico, soa como inacabada – já não termina com John a dizer «I’d like to say thank you on behalf of the group and ourselves. I hope we’ve passed the audition» e falta-lhe o verso final incluído na versão de estúdio.

“The Long and Winding Road” é uma gravação completamente diferente (julgo que se trata da versão incluída no filme). Neste caso particular penso que Phil Spector conseguiu entender melhor do que ninguém o tipo de canção que tinha entre mãos; e a introdução das cordas e dos coros veio efectivamente a enriquecer o tema, dando-lhe aquela áurea de grandiloquência do album original. Nesta versão agora editada em “... Naked”, a voz de Paul não está tão segura e o acompanhamento pura e simplesmente não resulta. Chega a parecer um ensaio para a encenação final. “Across The Universe”, pelo contrário, consegue soar bastante melhor sem os arranjos de Spector mas fica muito aquém da versão editada originalmente no album de beneficiência “No One’s Gonna Change Our World” (a mesma que figura no CD “Past Masters 2”), em Dezembro de 1969. Iniciando-se e terminando com sons de pássaros a esvoaçarem no sistema stereo, a canção tinha um trio de coros (Paul e duas vozes femininas) e um arranjo que acentuava muito mais o lado onírico da canção. “I’ve Got A Feeling” é uma nova edição, que junta duas versões diferentes, ambas tocadas no sessão do telhado e que soa também muito melhor do que o original. Finalmente “Let It Be”, que é practicamente a versão editada em single com o som bastante melhorado. Quanto aos restantes 5 temas as gravações são as mesmas do album “Let It Be”, apresentando apenas as diferenças já referidas. No final fica a sensação que muito mais poderia ter sido feito para reabilitar “Let It Be”. Deste modo, ficou-se apenas a meio caminho.