"Midnight Cowboy" (OST)

Original released on LP United Artists UAS 5198

(US, 1969)

A well-above-average soundtrack, both for the contributions of top film scorer John Barry and some interesting odds and ends of late-'60s rock. The "Midnight Cowboy" soundtrack is most famous for Nilsson's hit single cover of Fred Neil's "Everybody's Talkin'," present in both the familiar version and a shorter one that is substantially different, particularly in its use of harmonica (which is not present at all on the single). Barry's five compositions are suitably atmospheric, the standout being the "Midnight Cowboy Theme", with its memorable languid, melancholy melody and Toots Thielemans-style harmonica; it should have been a hit single (Ferrante & Teicher had one with a less interesting cover of the tune). The album is filled out by rock from the Groop, Leslie Miller, and Elephants Memory, which is mostly period music suitable for background party scenes, though Leslie Miller's "He Quit Me" was written by a then-unknown Warren Zevon. Check out Elephants Memory's seven-minute "Old Man Willow," though, an enchanting slice of whimsical and surreal late-1960s psychedelia with trippy organ and female vocals. Elephants Memory is mostly known for briefly serving as John Lennon's backup band in the early 1970s, but this is a lot closer to Ultimate Spinach than the Plastic Ono Band. (Richie Unterberger in AllMusic)

The BATS: "Turn You On"

Original released on LP CBS ASF 1395

(SOUTH AFRICA, 1969)

The Bats foram um excelente grupo sul-africano, perfeitamente ao nível do que de melhor se fazia no Reino Unido, Austrália ou nos EUA nessa época. Foi formado em Johannesburg em 1963 por Eddie Eckstein, Paul Ditchfield, Jimmy Dunning e Barry Jarman. Quando surgiram na cena musical sul-africana, decidiram tornar-se a resposta da África do Sul aos Beatles. Durante a sua carreira tiveram algumas alterações à sua formação inicial. Em 1965, gravaram dois álbuns, "Shabby Little Hut" e "That's How I Feel" e, em seguida, alguns singles. Em 1966 "Listen to My Heart" chegou à tabela de sucessos da Radio de Londres. Em Junho de 1967, The Bats aparecem na TV inglesa, no programa Dee Time, mas decidem regressar à África do Sul. Contudo, em Dezembro, Jimmy Dunning decide deixar o Paísl e regressar a Inglaterra, sendo substituído na viola solo por Pete Clifford. No início da década de 70, depois da edição de "Turn You On", ganharam o prémio “Sarie” (Óscar sul-africano) para a melhor canção do ano, "Who's That Girl" e por essa altura, juntaram-se com um outro conjunto sul-africano, The Sounds Of Brass (que incluía o vocalista e percussionista Neville Whitmill, Pete Hibner - sopros e teclas e Denny Loren - voz e bateria), formando uma nova banda chamada "Impi", com a qual gravaram um álbum, com a intenção de conquistarem o mercado americano com um novo som, mas não receberam os apoios financeiros necessários e desistiram de seguir em frente, regressando ao projecto The Bats, agora com a inclusão de Gerald Stockton (baixo e trombone). Fizeram digressões, tanto locais como fora do país, satisfazendo audiências na Grã-Bretanha, na Alemanha, em Moçambique ou no Zimbabwe (ex-Rodésia) com a sua música brilhante e o seu espírito de comediantes, o que fez deles uma banda de topo durante 16 anos, um acontecimento pouco comum em qualquer parte do mundo.

BLOODWYN PIG Debut Album + Bonus Tracks

Original released on LP A&M SP 4210

(US, June 1969)

None of Jethro Tull's progressive rock tendencies or classical influences followed Mick Abrahams into his creation of Blodwyn Pig, even with the inclusion Jack Lancaster's sax- and flute-playing prowess. Instead, Abrahams built up a sturdy British blues-rock sound and used Lancaster's horn work to add some fire to the band's jazzy repertoire. "Ahead Rings Out" is a stellar concoction of gritty yet flamboyant blues-rock tunes and open-ended jazz centered around Mick Abrahams' cool-handed guitar playing, but it's the nonstop infusion of the other styles that makes the album such a solid listen. After only one album with Jethro Tull, Abrahams left to form this band, and it's evident that he had a lot of pent-up energy inside him when he recorded each of the album's tracks. With a barrage of electrifying rhythms and fleeting saxophone and woodwind excursions, cuts like "Sing Me a Song That I Know," "Up and Coming," and "Backwash" whip up highly energetic sprees of rock and blues. Most of the tracks have a hearty shot of rock up the middle, but in cuts like "The Change Song" and "Backwash," the explosive riffs are accompanied by a big band style of enthusiasm, adding even more depth to the material. Andy Pyle's bass playing is definitely distinct throughout each track and is used for anything but a steady background, while labeling Ron Berg's drumming as freewheeling and intemperate would be an understatement. It's apparent that Blodwyn Pig's style is indeed distinct, releasing a liberated and devil-may-care intensity while still managing to stay on track, but the fact that each cut convokes a different type of instrumental spiritedness is where the album really gains its reputation. Wonderfully busy and even a tad motley in some places, "Ahead Rings Out" shows off the power and vitality that can be channeled by combining a number of classic styles without sounding pretentious or overly inflated. A year later, Blodwyn Pig recorded "Getting to This" before Abrahams left the band, and although it's a solid effort, it falls just a smidgen short of "Ahead Rings Out"'s bluesy dynamism. (Mike DeGagne in AllMusic)

JUICY LUCY Debut Album

Original released on LP Vertigo VO 2 847 901 VTY

(UK, November 1969)

If only one song can be said to encapsulate all that Juicy Lucy portended as their career got underway in the new decade of the '70s, it was "Who Do You Love?" The band's first single, spinning off their debut album, was as fast, mean, and dirty as any record could have been, a breakneck tour through the Bayou swamps and dirt-track roads of the American South powered by a razor-sharp guitar that would make your fingers bleed. And it gave the band a U.K. hit that still sounds fresh today. But Juicy Lucy were no one-trick pony. True, their debut album is remembered as much for its artwork (a mostly naked, fruit-draped lady) as for its content, but step inside and the group were locked firmly, and gleefully, into the free-freak movement of the age - while Chuck Berry's "Nadine" was fed through a Hell's Angels nightclub jukebox, "Are You Satisfied?" emerged as a festival chant spread out over six-and-a-half minutes, as mantra-like as (almost) anything the Edgar Broughton Band was doing at the time. The band's American roots are seldom far from the surface, of course: "Mississippi Woman" dripped oozing, cracked, croaky blues, and "Chicago North-Western" essentially offers up a history of the Midwestern railroads, while Glen Ross Campbell's steel guitar breathed Americana over everything it touched. But no matter how powerful Juicy Lucy may have been, it could not paper over the cracks that were already forming in the band themselves, and by the time they recorded their next album, the group that cut this one was already long gone. One can only dream of what they might have achieved had they stuck together. (Dave Thompson in AllMusic)

"Paint Your Wagon" (OST)

Original released on LP Paramount 1C062-90591

(GERMANY, 1969)

(VER COMENTÁRIO SOBRE O FILME AQUI)         

ON THE ROAD AGAIN - VOLUME 48

FRANÇOISE HARDY: "ENGLISH 3"

This third and rare english album by mademoiselle Hardy was originally released in South Africa, by World Record (ORR 6057), in 1969, with the name of the french singer issued as "Francois Hardy". Then, in 1970, this same album appeared in the UK, Australia and New Zealand with another cover and title: "One-Nine-Seven-Zero"; and also with a third cover and title, "Alone", in Canada and in the USA.

MOTT THE HOOPLE Debut Album

Original released on LP Atlantic SD 8258

(US, October 1969)

Enough works on Mott the Hoople's eponymous debut album, and enough is so imaginatively freewheeling, that it's easier to think of the record as a bit more successful than it actually is. After all, their combination of Stonesy swagger, Kinks-ian crunch, and Dylanesque cynicism is one of the great blueprints for hard rock, and its potential is apparent the moment their monumental instrumental "You Really Got Me" kicks off the record. This is followed by two covers, Doug Sahm's "At the Crossroads" and Sonny Bono's "Laugh at Me," that demonstrate their musicality more than their depth, since all three of these songs sound like they derive from the same vantage point. Then, to cap it off, Ian Hunter turns in "Backsliding Fearlessly" and Mick Ralphs gives Mott their first anthem with the pile-driving "Rock and Roll Queen." Up to this point, Mott the Hoople is wildly imaginative and invigorating, and that's enough to make this a fine debut, even if it falls off the tracks during the second side. The first side and those two originals reveal a band whose rowdy power is matched by sly humor, clever twists, and fierce intelligence - all qualities they built a career on, and this blueprint still stands the test of time. (Stephen Erlewine in AllMusic)

"ODESSA" - The BEE GEES Masterpiece

Original released on Double LP 

ATCO SD2-702 (US February 1969) /

Polydor 582 949/50 (UK 1969, March 30)

Recorded between July and December 1968 in London (IBC and Trident studios) and in New York (Atlantic studios), “Odessa” is regarded as the most significant of the Bee Gees's discography. It was initially released on Atco Records (US) in a red flocked cover with a gold lettering to the group's name and label symbol stamped in gold on the front and nothing but the flocking on the back. The gatefold has a large dotted image of people leaving a ship in a lifeboat. There are no photographs of the group and they are not named except as to all songs being written by B, R & M Gibb. Due to the high cost of production, as well as allergic reactions among workers during assembly, this design was discontinued. “Odessa” was indeed an ambitious project, originally intended as a concept album on the loss of a fictional ship in 1899, it created tension and disagreements in the band regarding the album's direction; finally, a dispute over which song to release as a single led to Robin Gibb temporarily leaving the band.

The album was not well received by the public or the music press on release, and led to a decline in the band's fortunes until their disco period in the mid 1970s. It was the group's fourth album released internationally, their sixth overall, and their only double album of original music. “Odessa” would be the final album for the band's original incarnation (in my opinion, the creative period of the Bee Gees). The originally intended name for the album was “An American Opera”. This later became “Masterpeace” and finally “Odessa”. Colin recalls about the country influence on “Odessa”: «It was my idea that we do that sort of thing, and Maurice is the one who will take more time out to listen to what I have to say, although within the group, the okay has to come from Barry». Their manager Robert Stigwood says, «Barry is the Bee Gees coordinator, I used the word advisedly, as there is no leader of the group as such. He has a tremendous feel for soul music, but he is also a fantastic solo singer in his own right». The first song recorded for the album was "I Laugh in Your Face" on 12 July 1968, the same day the group recorded "I've Gotta Get a Message to You" (released from the American version of the group's fifth album “Idea”). After recording eight songs for the album, guitarist Vince Melouney left the group amicably and joined the group Fanny Adams, wanting to pursue a more bluesy direction.

A reel tape of mono mixes dated 24 November 1968 has "Odessa (City on the Black Sea)", "First of May" and "Melody Fair" called a rough mix with orchestra. Therefore, about as soon as they returned to the studio, they were with Bill Shepherd arranging and conducting orchestral tracks to complete the album. This puts the re-make of "First of May" early in the November sessions, yet the song would be the last Bee Gees band session for the album. However, after recording "First of May", the instrumental tracks, "Seven Seas Symphony", "With All Nations" and "The British Opera" were recorded by Bill Shepherd. Also done somewhere around here are the final vocals for the New York songs and the added organ part for "Edison". Prior to release there were disagreements over which song was to be released as a single when the Robin led "Lamplight" lost out (but it ended on the B side of the single) to "First of May", a Barry solo vocal. This ultimately led to Robin Gibb leaving the group in early 1969, though he would join again in August 1970. The split was a result of months of animosity, which concurred to the album's final mix. As Barry explained:

«Everything got out of hand and we didn't know which way we were heading. We'd never really finished the album. It was our own production and we were very proud of it, but it all turned out different. It marked a period of breaking up and we weren't talking to each other, so we weren't in the studio together half the time and weren't as friendly toward each other. The recording took three or four months which was a long time in those days. “Bee Gees 1st” was done in a month. It would be nice to re-master the album once and as a bonus maybe do a live version of some of the songs.» The last performances of the group including Robin were on early 1969, when they performed "First of May" (they also performed "I Started a Joke") on The Tom Jones Show (21 February) and Top of the Pops (6 March).

Maurice later described the album as 'heavy'. «People thought it was an in-depth album», he recalled, «like, 'What do they mean by those lyrics?' and 'What's this all about?' There's all sorts of different areas on it. It went up and down in places, but a lot of people regard it as our Sgt. Pepper. To us, I don't think it was the best album we made, but the main title “Odessa” I loved». Barry responded to Maurice saying, «I guess I have strong personal feelings about it because it was a time when the group was splitting up». Later, in July 1969, "Marley Purt Drive" was released as a single, backed with "Melody Fair", but only in South Africa (the reason why it became a rare item). The album has since received positive critical attention, and today it is generally regarded as the Bee Gees best album ever (it’a also my opinion). In 2009, January 13, it has been re-released in a gorgeous deluxe three CD box set (both mono and stereo mixes, plus a bonus CD of demos and alternate versions, called "Sketches For Odessa"). 

THE ORIGINAL DOUBLE ALBUM (mono + stereo):

A1. Odessa (City on the Black Sea)

A2 You’ll Never See My Face Again

A3. Black Diamond

B1. Marley Purt Drive

B2. Edison

B3. Melody Fair

B4. Suddenly

B5. Whisper Whisper

C1. Lamplight

C2. Sound of Love

C3. Give Your Best

C4. Seven Seas Symphony

C5. With All Nations (International Anthem)

D1. I Laugh In Your Face

D2. Never Say Never Again

D3. First of May

D4. The British Opera

THE BONUS TRACKS:

01. Odessa (City on the Black Sea) (demo)

02. You’ll Never See My Face Again (alternate mix)

03. Black Diamond (demo)

04. Marley Purt Drive (alternate mix)

05. Barbara Came to Stay

06. Edison (alternate mix)

07. Melody Fair (demo)

08. Melody Fair (alternate mix)

09. Suddenly (alternate mix)

10. Whisper Whisper, Part Two (alternate version)

11. Lamplight (demo)

12. Lamplight (alternate version)

13. Sound of Love (alternate mix)

14. Give Your Best (alternate mix)

15. Seven Seas Symphony (demo)

16. With All Nations (International Anthem) (vocal version)

17. I Laugh In Your Face (alternate mix)

18. Never Say Never Again (alternate mix)

19. First of May (demo)

20. First of May (alternate mix)

21. Nobody’s Someone

22. Pity

23. Odessa Promotional Spot

The GEORGE BAKER SELECTION Debut Album

Original released on LP Negram NELS 551

(NETHERLANDS, 1970)

He had a hit with the title song, but for most latter-day pop listeners, the George Baker Selection is known for that song because it provided an oddly appropriate opening salvo for Quentin Tarantino's classic "Reservoir Dogs". For most listeners of the early '70s and the early '90s, the best way to hear the GBS is to just listen to those three minutes of magic, but if you find that song endlessly listenable, then "Little Green Bag" is a pretty fun listen. And it's a bit weirder than expected too, displaying a bizarre Europop vibe that keeps it interesting decades after its original release. No, there's nothing here that's nearly as good as the title track, but, as an artifact, it has its merits. (Stephen Erlewine in AllMusic)

OS CELTAS: EP 1969

Original released on EP Marfer MEL 2-136

(ESPAÑA, 1969)

"LET IT BE" - A Obra Maldita dos Beatles

Original released on LP Apple PCS 7096

(UK 1970, May 8)

Ainda eles! O tom desta exclamação podia variar até ao infinito, exprimir o entusiasmo mais intenso ou o aborrecimento mais profundo, consoante... consoante o quê? Consoante se seja “menino pop” ou progressista convicto? Adepto da sociedade de consumo ou do “underground”? A evolução das reacções do público em redor de cada nova obra dos Beatles são de tal modo significativas, que lembram cada vez mais a morte de um grande amor. Embora tudo isso seja relativo, pois se nos formos a fiar nos números, o grupo nunca foi tão popular. O público de que falávamos, aquele que queima hoje o que adorou ontem, não constitui mais do que uma pequena minoria. Aquele que se compõe de “conhecedores”, dos “verdadeiros amantes do pop”, aquele que está ao corrente de tudo o que se faz. Essa não julga os Beatles senão comparando-os com o que fazem os outros conjuntos, não tomando como termo de comparação apenas os mais progressistas e para afirmar que em relação a eles, os Beatles estão já ultrapassados.

É certo que eles estão ultrapassados. É certo que Jimi Hendrix ou o Lifetime de Tony Williams vão um pouco mais longe. E depois? Apesar de tudo eu defendo-os, enquanto todos os atacam, e porque o seu último album, “Let It Be”, me agrada. Sim, eu defendo-os, porque sempre fizeram música boa. Muito boa mesmo, porque continuam a ser os mestres incontestáveis da melodia “pop” e maravilhosos intérpretes, e porque, sobretudo, oh! sobretudo porque não se tomam a sério (escutem o anteentróito de “Let It Be”, aquela vózinha ridícula que anuncia: «E agora vamos tocar “Todos os anjos vieram”»). Que o conjunto não progrediu tècnicamente desde o LP “Sgt. Pepper’s”? É incontestável. E depois? Evoluiram por ventura os Stones? O mal é que sempre nos habituámos a pedir o impossível aos Beatles. Era necessário que eles tivessem permanecido os compositores que são, os intérpretes que são, e ainda que rivalizassem em virtuosismo com Jimi Hendrix ou Clapton. Enfim, eles deixaram de existir como conjunto e esta será a última ocasião que os seus detractores terão para os apunhalarem pelas costas.

Como é de “Let It Be” que queremos falar, digamos imediatamente que este disco demonstra pelo menos, cabalmente, uma coisa: que quatro Beatles juntos valem muito mais do que três Beatles separados, pelo menos. Comparado aos pobres albuns de Ringo e de Paul, este pode fàcilmente fazer figura de obra-prima. Não contém surpresas, é certo. Mas quem desconhece que o tempo das surpresas para os Beatles-grupo já passou? Escutar Paul em “Let It Be”, e escutá-lo no seu próprio album é chegar à conclusão de que ele, mais talvez do que os outros três, perdeu bastante ao precipitar a dissolução do conjunto. Cantor soberbo e compositor inspirado, brilha aqui com um singular aparato, enquanto que solitário, não é mais do que um bom artista no meio de tantos outros.

Porquê? Talvez porque os Beatles não sejam em grupo, a expressão real daquilo que são como indivíduos. Talvez porque fabricassem a quatro, com técnicas comprovadas, receitas repetidamente comprovadas, uma arte totalmente estranha à sua mentalidade e às suas preocupações de momento. Uma arte distanciada, inexpressiva, mas à qual, e é aí que intervem o milagre Beatles, o inexplicável que podemos classificar de genial, por não sabermos qual procedimento ou qual profunda sensibilidade (não pode ser outra coisa senão a consciência profissional) o grupo lograva sempre encher uma parcela de vida, um rasgo de bom humor. E é aí que intervém o paradoxo que ilustra admiràvelmente a fuga solitária de Paul: sem motivação real, a sua arte era infinitamente superior à que se propõe hoje em dia, a que se deseja ser o reflexo da sua vida sentimental.

O caso de Ringo é diferente, pois de instrumentista (e não sabemos quão inexpressivo instrumentista ele é), tornou-se cantor, mudança que exclui toda a possibilidade de julgamento. E George? É preciso esperar o seu album com Dylan para podermos falar, pois seria bastante injusto condená-lo musicalmente tendo em vista os discos que produziu. O caso de John é de longe o mais interessante, pois é o único dos Beatles a possuir uma mensagem tão forte, que consegue ultrapassar o conjunto. Existe atrás da facilidade de escrita (musical) de John, qualquer coisa que é uma poderosa motivação e que lhe permite criar sózinho (com Yoko, mas Yoko é ele), uma arte renovada, menos açucarada do que a dos Beatles, menos rica melódica e harmoniosamente, mas com um impacto mais raivoso. Ao contrário dos seus três amigos, John é frequentemente visitado pela inspiração na vida de todos os dias. Resta-nos, pelo menos, isso. Isso e “Let It Be” - disco e “souvenir” maravilhoso.

(in revista "Tempo" nº 1, Lourenço Marques, 20 de Setembro de 1970 - tradução de um artigo aparecido no nº 41 da revista francesa "Rock & Folk", em Junho de 1970 e assinado por Philippe Paringaux)

Original released on CD EMI-Apple

(UK 2003, November 18)

Trinta e três anos depois da primeira edição de “Let It Be”, apareceu no mercado este CD, intitulado “Let It Be… Naked”. Ao contrário do que a publicidade insistia em afirmar na altura, esta não é a versão “despida” do album original (as diferenças vão um pouco mais além da eliminação dos arranjos de Phil Spector...) nem muito menos a “melhor” versão. Mas vamos por partes, e recuemos um pouco no tempo.

Outubro de 1968: Acabadas as gravações dos temas que iriam constituir o chamado “White Album”, John Lennon começou a sentir a necessidade de simplificar os meios de produção e o desejo de gravar um album à moda antiga, com um som directo e básico, sem quaisquer efeitos de estúdio. Paul concordou indo ainda um pouco mais longe: e porque não filmar os Beatles em estúdio a gravarem o novo album? Meu dito meu feito, e as filmagens começaram no dia 2 de Janeiro de 1969 para virem a terminar a 30 desse mês com a famosa actuação no telhado dos estúdios da Apple, em Saville Row. Devendo inicialmente chamar-se “Get Back”, o album seria constituído pelos seguintes temas: “One After 909”, “Save The Last Dance For Me”, “Don’t Let Me Down”, “Dig A Pony”, “I’ve Got A Feeling”, “Get Back”, “For You Blue”, “The Walk”, “Teddy Boy”, “Two Of Us”, “Maggie Mae”, “Dig It”,” Let It Be” e "The Long And Winding Road”. Allen Klein, que tinha sido contratado no início de Fevereiro para tomar conta dos negócios dos Beatles, sugeriu que o filme, já rodado em 16 mm, fosse convertido para 35 mm, o que possibilitaria a sua passagem nos cinemas e não apenas na televisão. Assim, o album, que funcionaria como uma espécie de banda sonora, deveria aguardar a conclusão do trabalho para ser lançado simultâneamente com o filme.

Entretanto diversos factos iam acontecendo na vida dos 4 Beatles: Paul casa-se com Linda Eastman a 12 de Março e vai para a América em lua-de-mel; John segue-lhe o exemplo uma semana depois, desposando Yoko Ono em Gibraltar e iniciando de imediato o célebre bed-in em Amsterdam; Ringo começa a filmar “The Magic Christian”; George vai tocando em diversos albuns (de Jack Bruce, dos Cream, de Billy Preston); Paul produz o 1º album de Mary Hopkin (“Post Card”); John e Yoko começam a gravar temas para um segundo album experimental (“Unfinished Music nº 2: Life With The Lions”) e promovem a difusão, um pouco por todo o lado, do filme “Rape”, também ele experimental; são editados mais dois singles dos Beatles: “Get Back/Don’t Let Me Down” a 11 de Abril e “The Ballad of John and Yoko/Old Brown Shoe” a 30 de Maio. Tudo isto vai esmorecendo o interesse pelos temas gravados naquele mês de Janeiro (que seriam em breve difundidos em inúmeras edições piratas) e em Junho os Beatles iniciam as gravações daquele que viria ser a sua derradeira coroa de glória, o magnífico “Abbey Road”.

Dada a falta de tempo, John Lennon convida o produtor Phil Spector a criar um novo album a partir das gravações de Janeiro, alterando o nome para “Let It Be”. Spector inicia então uma pesquisa por dezenas de horas de gravações (cada tema tinha variadissimas versões), dando largas aos seus excessos criativos. O produto final acaba por ficar pronto apenas depois dos Beatles editarem “Abbey Road” a 26 de Setembro de 1969. E a primeira edição, especial (numa caixa com um livro), é editada já em 1970, no dia 8 de Maio, um mês depois de Paul ter anunciado a dissolução do grupo. As vendas não são famosas e seis meses depois, a 6 de Novembro, o album é re-editado, agora já sem o livro.

Ao longo dos anos “Let It Be” ficou sempre ligado à tristeza da separação e com o estigma do album rejeitado, do “filho ilegítimo”. E pelos vistos continua, pois esta edição de “Let It Be... Naked” (péssimo título para uma capa também ela vergonhosa) está longe de agradar a gregos e a troianos. Mas vejamos então as diferenças. De um modo geral, pode dizer-se que o som proveniente da nova remasterização é bastante superior ao original. Só que… as faixas não são exactamente as mesmas. “Maggie Mae” e “Dig It” (que funcionavam mais como separadores do que como verdadeiras canções) desapareceram, dando lugar a "Don’t Let Me Down”, na versão tocada no telhado da Apple Studios e que está a anos-luz da versão de estúdio editada em single. Todos os temas incluídos em “... Naked” são de duração inferior à do album original, em virtude de todas as introduções e finais terem sido inexplicavelmente abolidos. Não se entende muito bem esta decisão, até porque se tratava de uma imagem de marca do album original. “Get Back”, que até tem agora um som magnífico, soa como inacabada – já não termina com John a dizer «I’d like to say thank you on behalf of the group and ourselves. I hope we’ve passed the audition» e falta-lhe o verso final incluído na versão de estúdio.

“The Long and Winding Road” é uma gravação completamente diferente (julgo que se trata da versão incluída no filme). Neste caso particular penso que Phil Spector conseguiu entender melhor do que ninguém o tipo de canção que tinha entre mãos; e a introdução das cordas e dos coros veio efectivamente a enriquecer o tema, dando-lhe aquela áurea de grandiloquência do album original. Nesta versão agora editada em “... Naked”, a voz de Paul não está tão segura e o acompanhamento pura e simplesmente não resulta. Chega a parecer um ensaio para a encenação final. “Across The Universe”, pelo contrário, consegue soar bastante melhor sem os arranjos de Spector mas fica muito aquém da versão editada originalmente no album de beneficiência “No One’s Gonna Change Our World” (a mesma que figura no CD “Past Masters 2”), em Dezembro de 1969. Iniciando-se e terminando com sons de pássaros a esvoaçarem no sistema stereo, a canção tinha um trio de coros (Paul e duas vozes femininas) e um arranjo que acentuava muito mais o lado onírico da canção. “I’ve Got A Feeling” é uma nova edição, que junta duas versões diferentes, ambas tocadas no sessão do telhado e que soa também muito melhor do que o original. Finalmente “Let It Be”, que é practicamente a versão editada em single com o som bastante melhorado. Quanto aos restantes 5 temas as gravações são as mesmas do album “Let It Be”, apresentando apenas as diferenças já referidas. No final fica a sensação que muito mais poderia ter sido feito para reabilitar “Let It Be”. Deste modo, ficou-se apenas a meio caminho.