COHEN Live at the Kongresshaus, Zürich

This is a double live set unofficial release - 20 great tracks, with an excepcional sound, recorded at the Kongresshaus, in Zürich, on May 21st, 1993. Enjoy!

So Long, Mr. Cohen!

Morreu Leonard Cohen. Poeta e escritor, cantor e compositor, o canadiano de 82 anos, feitos em setembro passado, já nos tinha avisado no seu último álbum, onde canta logo a abrir: "Hineni, hineni / I'm ready, my Lord". Na altura do lançamento de "You Want It Darker", em outubro passado, carregou nas tintas dizendo-se tal e qual, "preparado para morrer". Dias depois, a 13 de outubro, no consulado canadiano de Los Angeles, brincava. "Acho que exagerei. Sempre tive tendência para dramatizar. Pretendo viver para sempre." O anúncio da sua morte foi feito pela sua editora, a Sony Music Canada, na página oficial no facebook do músico: «É com profunda dor que anunciamos que o lendário poeta, compositor e artista, Leonard Cohen, faleceu. Perdemos um dos mais aclamados e prolíficos visionários da música. Uma cerimónia terá lugar em Los Angeles em breve. A família pede privacidade durante este período de luto.» Não foi revelada a causa da sua morte (ocorrida no passado dia 7, mas só revelada ontem pela família).

Leonard Norman Cohen nasceu no Quebeque, na cidade de Westmount, arredores de Montréal, a 21 de setembro de 1934. A música entrou cedo na sua vida, na adolescência, com os Buckskin Boys, um grupo folk de que não reza a história: o contacto com a poesia de Federico Garcia Lorca, de quem muitos anos mais tarde musicaria "Take This Waltz" (1988), conduziu-o à escrita - de poemas e romances. Publica três livros, quando nos anos 1960 se instalou numa ilha grega, Hidra: "The Favourite Game" (1963), "Flowers for Hitler" (1964), que reunia poemas seus, e "Beautiful Losers" (1966). Mas regressará à América e à música. De visita a Nova Iorque, contacta de novo com a música folk e conhece a cantora Judy Collins. Publica então "Songs of Leonard Cohen" (1967), que abre com "Suzanne", canção maior de amor, como tantas na sua pena, de um álbum fulgurante - nas suas palavras e guitarras e coros - e onde também se ouve "So Long, Marianne". Em agosto passado, soube-se que a Marianne da canção tinha morrido e Leonard escreveu-lhe uma carta de despedida, em que mais uma vez falava da morte. «Sabes Marianne, chegou este tempo em que estamos realmente tão velhos e os nossos corpos estão caindo aos poucos que acho que vou seguir-te muito em breve. Sei que estou tão perto de ti que se esticares a tua mão, acho que consegues tocar na minha.»

A esta estreia seguiram-se dois outros álbuns fundamentais no cancioneiro americano: "Songs From a Room" (1969) e "Songs of Love and Hate" (1971). Nos últimos anos, Cohen multiplicou os seus álbuns de originais em longas digressões e álbuns ao vivo que reproduziam os seus concertos. Estes primeiros anos da década de 1970 foram pródigos para o canadiano, culminando na obra-prima que é "New Skin for the Old Ceremony" (1974), que tinha sido antecedido de "Live Songs" (1973). A seguir, os álbuns foram sendo mais espaçados: "Death of a Ladies Man" (1977), com uma produção turbulenta e opulenta por Phil Spector; "Recent Songs" (1979) e "Various Positions", já em 1984. É o álbum de "Hallelujah", a canção que John Cale e, mais ainda, Jeff Buckley, resgataram em toda a sua violenta beleza de sexo e amor, num poema que bebia na Bíblia (o rei David que se enamora de uma mulher). Com os anos 80, Cohen, já para lá dos 50 anos, arrisca composições onde os sintetizadores de "I"m Your Man" (1988) sublinham uma poesia bem-humorada e socialmente crítica, cada vez mais declamada na voz inconfundível que a idade foi enrouquecendo. "The Future" (1992) aprofunda esse caminho, antes de Leonard se remeter a um longo silêncio e dedicar-se ao budismo. O jejum quebra-se em 2001 com "Ten New Songs" e "Dear Heather" (2004). Nos últimos anos, a idade não atrapalha Cohen que se vê obrigado a regressar à estrada. Roubado pela sua agente de muitos anos, Kelley Lynch, em cinco milhões de dólares (4,5 milhões de euros), são os seus fãs de sempre que ganharam mais, com digressões gigantes - 247 concertos de 2008 a 2010, contabilizou a Rolling Stone. Cohen ainda mostrou as suas "Old Ideas" (2012) e os seus "Popular Problems" (2014), lançado um dia depois de completar 80 anos. Parecia eterno.

Antes do trabalho que lançou este ano, no tal encontro no consulado canadiano, Cohen ouviu um elogio feito por Bob Dylan, dias antes laureado com o Nobel da Literatura (que muitos diziam ser merecido por Cohen) Dylan afirmava num artigo que «quando falam de Leonard, evitam mencionar as suas melodias, quando estas, juntamente com as suas letras, são a sua verdadeira genialidade». Cohen replicou que Dylan foi "muito generoso", mas preferiu elogiar antes o galardoado. «Não vou dar uma opinião sobre o que ele disse, mas sim sobre ter recebido o Prémio Nobel, o que para mim foi como dar uma medalha ao monte Evereste por ser a montanha mais alta [do mundo]». Em Agosto, quando se despedia de Marianne, Leonard escrevia que "lhe desejava uma muito boa jornada". «Adeus minha velha amiga. Amor infinito, encontramo-nos no caminho», completou. Judeu convertido ao budismo, Cohen nunca deixou de trazer muitas referências religiosas. "Hineni", que canta no seu álbum de despedida, é uma palavra hebraica que significa "aqui estou", dita por Abraão a Deus. No passado dia 7, Leonard cantou-a pela última vez.

DISCOGRAFIA (albuns de estúdio):

1967-12-27 > Songs of Leonard Cohen
1969-03-24 > Songs From a Room
1971-03-19 > Songs of Love and Hate
1974-08-11 > New Skin for the Old Ceremony
1977-11-13 > Death of a Ladies’ Man
1979-09-27 > Recent Songs
1984-12-11 > Various Positions
1988-02-02 > I’m Your Man
1992-11-24 > The Future
2001-10-09 > Ten New Songs
2004-10-26 > Dear Heather
2012-01-31 > Old Ideas
2014-09-22 > Popular Problems
2016-10-21 > You Want It Darker

Meu grande sacana,

Passámos um fim-de-semana juntos em que me fizeste esquecer que eras o meu herói. Quando acabou fiquei com dois heróis: com o Leonard Cohen das canções e com o Leonard Cohen em carne e osso. Embebedámo-nos com Bloody Marys e, a certa altura, tu reparaste que eu tinha a mania de desdizer o que tinha acabado de dizer. Eu disse-te que era um tique português. Primeiro afirma-se um disparate ou uma verdade. Depois continua-se “E, no entanto…” “And yet!”, gritaste, “the two greatest words in any language!” Depois desataste a dar exemplos. A uma mulher que te amava e queria casar contigo: “I love you…AND YET…I cannot marry you this year”. Ao barman: “Bem sei que já bebi a minha conta…AND YET…apetece-me outro Bloody Mary”. Prometemos escrever um ao outro. Quando eu falhei mandaste-me um telegrama com duas palavras e três pontos: “AND YET…”

Depois da notícia quase funerária no New Yorker fizeste questão de aparecer em Los Angeles a dizer que, quando disseste que estavas pronto para morrer, estavas a ser dramático. Fizeste-nos rir. Prometeste viver até aos 120 anos. Prometeste-nos mais dois álbuns de canções. Mentiroso! Sempre foste o mais sublime dos mentirosos. Nem era preciso mentires: eu julgava que ias viver para sempre, como sempre tinhas vivido. Agora morreste e obrigas-me a escrever estas palavras lavadas em lágrimas. AND YET… E, no entanto, tiveste uma vida feliz. Fizeste o que querias. Amaste e foste amado. Trabalhaste nas canções mais bonitas e elevadas do nosso tempo. Já há mais de 60 anos que andaste a falar com Deus, a preparar o teu caminho. Foste um pecador de primeira AND YET…e, no entanto, algo me diz que vais ser muito bem recebido no reino dos céus, se fôr para aí que combinaste ir.

Deixaste-nos. Avisaste muitas vezes que nos ias deixar. Deixar tornou-se a tua especialidade. Ninguém se despedia tão bem como tu. Ninguém dava à sola tão depressa como tu, tão bem vestido, com sapatos feitos para percorrer as grandes distâncias do amor e da vida. Partiste e, no entanto, continuas cá. Eu vi o tamanho do teu caderno gigante, cheio de versos e desenhos. Espero bem que haja centenas de canções que tu julgaste que ainda não estavam prontas, mas que estão. Agora que morreste escusamos essas canções de serem perfeitas, como aquelas que escreveste e cantaste enquanto eras vivo. Enquanto eras vivo - estas palavras ainda custam mais a escrever do que a simples palavra “morreste”. Sabes porquê? Aposto que ainda sabes mais, aí no lugar onde estás, na Tower of Song. Porque “morreste” ainda é uma coisa que tu fizeste. Morreste, sacana. É uma coisa de que podemos acusar-te; é um verbo que podemos atirar-te à cara. Em contrapartida “enquanto eras vivo” já pertence a um passado em que já fizeste tudo o que tinhas para fazer, incluíndo morrer.

Uma pessoa tem de morrer. E até a morrer foste um senhor. Pouco antes de morrer - sabemos agora - percorreste o mundo para cantar as tuas canções a quem quisesse ver-te a cantá-las. E melhor do que em qualquer outra altura da tua vida. Tu foste daqueles que melhoram à medida que se aproximam da morte. Aproximaste-te devagarinho, sem ser a medo, como se a morte fosse a última mulher. Cantaste-lhe a canção do bandido - nunca ninguém será capaz de cantá-la melhor do que tu - a ver se ela ia na tua cantiga. Deitaste-te com ela na esperança que ela te esquecesse. And yet e, no entanto (aqui sinto-te a sorrir) ela deu cabo de ti à mesma. Toda a vida dançaste com Deus e com a morte – às vezes eram mulheres, outras vezes professores – e algumas dessas vezes acabaram como canções, divinas de amor e de vida, escritas por quem conheceu a alegria e a tristeza de amar e viver e viver e amar.

Morreste, Leonard Cohen e, no entanto, continuas vivíssimo para quem já morreu. Hoje de manhã, quando ouvi "You Want It Darker", como faço todas as manhãs desde que saíu o álbum, pensei que ia chorar, por ser a primeira vez que o ouvi sabendo que estavas morto. Mas não chorei. As canções fizeram o que sempre fizeram: encheram-me de força, abriram-me ao medo e à beleza de estar vivo. Adeus, Leonard Cohen, dizemos nós como se não soubéssemos que já lá estás. (Miguel Esteves Cardoso in "Público")

LE PREMIER ALBUM DE BREL

Original released on LP Philips B 76.027 R (mono)

(FRANCE, 1955)

Nine songs spread over ten inches of shellac, Jacques Brel's debut album descended upon the French scene of the mid-'50s like an alien invasion. One moment, the chain-smoking Belgian singer/songwriter was a minor name struggling for survival around the Paris nightclubs, frequently playing his intense little songs at six different venues a night; the next, the gleeful "Il Peut Pleuvoir" and the contrarily sober "Sur la Place" were rewriting the very nature of the chanson. Where once was simple emoting, Brel implanted emotion. Where once was ribaldry, Brel inserted drollness. And where once local music was for squares and their parents, Brel was feted by teenaged rock & rollers. "Jacques Brel et Ses Chansons", the album which ignited the iconoclasm, is ferociously confident. Although only one of the songs will be immediately familiar to a "rock" audience - Marc Almond covered "Le Diable (Ca Va)" (as "The Devil" on his Jacques album) - still there is an instantly recognizable compulsion to the performance. Brel's mellifluous, half-smiling, half-snarling voice gallops across the landscape, paced all the way by the richly textured and deeply imaginative accompaniment of Andre Grassi and his orchestra; the snatch of French accordion which punctuates the dark delivery of "Il Nous Faut Regarder" is both hideously apposite and rudely ironic.

Brel et Miche, 1956

It is not all doom and gloom, of course - indeed, Brel's reputation for morbidity and misery is more the premise of his louder English acolytes than of his own work. "C'est Comme Ça" is insanely jovial, a veritable machine gun of leaping lyric and frolicking instrumentation; "Il Peut Pleuvoir" shares a similar outlook, while "Le Fou Du Roi" apparently stepped out of the court of Marie Antoinette, all sweetly chiming harpsichord and a sweetly lilting nursery rhyme rhythm. The ghost of Prokofiev's "Troika" which hangs around the melody only adds to the experience. It is "Sur la Place" which dominates, however. Recorded at one of his first ever sessions with orchestra leader Francois Rauber, with whom Brel would continue to work for the remainder of his career, the song rides an arrangement which wouldn't be out of place punctuating a gentle ghost story, while Brel's talent for conjuring the spirits of nostalgia and sadness from the passing of time is revealed with a perceptiveness almost unbecoming in a mere 25-year-old. Even compared with all that he would go on to create, "Jacques Brel et Ses Chansons" is no formative, tentative debut offering. Brel sprang into the public consciousness fully formed, with all his gifts and offerings already on public display. All he needed now was for the public to turn and look. Upon release, the album sold a little over 2,000 copies. (Dave Thompson in AllMusic)

WALLPAPER: "All You Need Is Love"

WALLPAPER: "BJÖRK S.O.S."

WALLPAPER: "Artistic Beatles"

WALLPAPER: "Heroes"

WALLPAPER: "Peaceful Mermaid"

JA "After Bathing at Baxter's"

 Original released on LP RCA Victor LSO-1511

(US 1967, November 29)

The Jefferson Airplane opened 1967 with "Surrealistic Pillow" and closed it with this "After Bathing at Baxter's", and what a difference ten months made. Bookending the year that psychedelia emerged in full bloom as a freestanding musical form, "After Bathing at Baxter's" was among the purest of rock's psychedelic albums, offering few concessions to popular taste and none to the needs of AM radio, which made it nowhere remotely as successful as its predecessor, but it was also a lot more daring. The album also showed a band in a state of ferment, as singer/guitarist Marty Balin largely surrendered much of his creative input in the band he'd founded, and let Paul Kantner and Grace Slick dominate the songwriting and singing on all but one cut ("Young Girl Sunday Blues"). The group had found the preceding album a little too perfect, and not fully representative of the musicians or what they were about, and they were determined to do the music their way on "Baxter's"; additionally, they'd begun to see how far they could take music (and music could take them) in concert, in terms of capturing variant states of consciousness.

Essentially, "After Bathing at Baxter's" was the group's attempt to create music that captured what the psychedelic experience sounded and felt like to them from the inside; on a psychic level, it was an introverted exercise in music-making and a complete reversal of the extroverted experience in putting together "Surrealistic Pillow". Toward that end, they were working "without a net," for although Al Schmitt was the nominal producer, he gave the group the freedom to indulge in any experimentation they chose to attempt, effectively letting them produce themselves. They'd earned the privilege, after two huge hit singles and the Top Five success of the prior album, all of which had constituted RCA's first serious new rock success (and the label's first venture to the music's cutting edge) since Elvis Presley left the Army. The resulting record was startlingly different from their two prior LPs; there were still folk and blues elements present in the music, but these were mostly transmuted into something very far from what any folksinger or bluesman might recognize. Kantner, Jorma Kaukonen, and Jack Casady cranked up their instruments; Spencer Dryden hauled out an array of percussive devices that was at least twice as broad as anything used on the previous album; and everybody ignored the length of what they were writing and recording, or how well they sang, or how cleanly their voices meshed. The group emerged four months later with one of the rawest, most in-your-face records to come out of the psychedelic era, and also a maddeningly uneven record, exciting and challenging in long stretches, yet elsewhere very close to stultifyingly boring, delightful in its most fulfilling moments (which were many), but almost deliberately frustrating in its digressions, and amid all of that, very often beautiful.

The album's 11 songs formed five loosely constructed "suites," that didn't ease listeners into those structures. Opening "The Ballad of You and Me and Pooneil" (a Kantner-authored tribute to Fred Neil) amid a cascading wash of feedback leading to a slashing guitar figure, the band's three singers struggle to meld their voices and keep up. A softer, almost folk-like interlude, highlighted by Slick's upper-register keening, breaks up the beat until the guitar, bass, and drums crash back in, with a bit of piano embellishment. Then listeners get to the real break, an almost subdued interlude on the guitars, and a return to the song at a more frenzied pitch, the guitar part dividing and evolving into ever more brittle components until a crescendo and more feedback leads to "A Small Package of Value Will Come to You, Shortly." This brilliantly comical and clever percussion showcase co-authored by Spencer Dryden and the band's manager, Bill Thompson, is a million miles beyond any drummer's featured number in any popular band of that era, and it leads into Marty Balin's "Young Girl Sunday Blues," the most rhythmically consistent song here and one of a tiny handful of moments that seem to slightly resemble the band's past work. The aforementioned tracks comprise just the first suite, designated "Steetmasse."

"The War Is Over" suite opens with "Martha," the album's folk-style interlude, almost a throwback to the group's original sound, except that the listener suddenly finds himself in the midst of a psychedelic delirium, heralded by the dissonant accompaniment and a high-energy fuzztone guitar solo (spinning out sitar-like notes) coming out of nowhere and a speed change that slows the tempo to zero, as though the tape (or time, or the listener's perception of it) were stretching out, and the pounding, exuberant "Wild Tyme," a celebration of seemingly uninhibited joy. "Hymn to the Older Generation" is made up of Kaukonen's "The Last Wall of the Castle," an alternately slashing and chiming guitar pyrotechnic showcase that rivaled anything heard from Jimi Hendrix or the Who that year, and Grace Slick's gorgeous "Rejoyce," a hauntingly beautiful excursion into literary psychedelia, whose James Joyce allusions carry the Lewis Carroll literary allusions of the previous album's "White Rabbit" into startlingly new and wonderful (if discursive) directions and depths. "How Suite It Is" opens with the album's single, the lean, rhythmic "Watch Her Ride," whose pretty harmonies and gently psychedelic lyrics persuaded RCA that this was their best shot at AM airplay and, true to form on an album filled with contradictions, it leads into "Spare Chaynge," the crunching, searing, sometimes dirge-like nine-minute jam by Kaukonen, Dryden, and Casady that wasn't ever going to get on AM radio - ever - and, indeed, might well initially repel any Airplane fan who only knew their hit singles. "Shizoforest Love Suite" closes the album with Slick's "Two Heads," with its vocal acrobatics and stop-and-go beat, and "Won't You Try"/"Saturday Afternoon," the latter Kantner's musical tribute to the first San Francisco "Be-In" (memorialized more conventionally by the Byrds on "Renaissance Fair"); it features many of the more subdued, relaxed, languid moments on the record, divided by a killer fuzz-laden guitar solo.

Needless to say, this is not the album for neophytes - "Spare Chaynge" remains an acquired taste, a lot more aimless than, say, the extended jams left behind by the Quicksilver Messenger Service, though it did point the way toward what Kaukonen and Casady would aim for more successfully when they formed Hot Tuna. But most of the rest is indisputably among the more alluring musical experimentation of the period, and Kantner's "The Ballad of You and Me and Pooneil" and "Watch Her Ride," as well as Balin's "Young Girl Sunday Blues," proved that the group could still rock out with a beat, even if not so prettily or cleanly as before. (Bruce Eder in AllMusic)

GIGLIOLA CANTA CON GLI AMICI

Original released on LP CGD / FGL 5086

(ITALIA, 1971)

ADAMO: EP "La Nuit"

Original released on EP Pathé Marconi EGF 800

(FRANCE, 1964)

FOURMOST: "Hello Little Girl"

Original released on EP Odeon SOE 3748 (mono)

(FRANCE, 1964)

LOS MACHUCAMBOS: "Cuando Calienta el Sol"

Original released on EP Decca 460.767
(FRANCE, 1962)

MY ROLLING STONES FAVOURITES - VOL.1

ON THE ROAD AGAIN - VOLUME 22

NICK DRAKE's LAST ALBUM

Original released on LP Island ILPS 9184

(UK 1972, February 25)

After two albums of tastefully orchestrated folk-pop, albeit some of the least demonstrative and most affecting around, Drake chose a radical change for what turned out to be his final album. Not even half-an-hour long, with 11 short songs and no more - he famously remarked at the time that he simply had no more to record - "Pink Moon" more than anything else is the record that made Drake the cult figure he remains. Specifically, "Pink Moon" is the bleakest of them all; that the likes of Belle and Sebastian are fans of Drake may be clear enough, but it's doubtful they could ever achieve the calm, focused anguish of this album, as harrowing as it is attractive. No side musicians or outside performers help this time around - it's simply Drake and Drake alone on vocals, acoustic guitar, and a bit of piano, recorded by regular producer Joe Boyd but otherwise untouched by anyone else. The lead-off title track was eventually used in a Volkswagen commercial nearly 30 years later, giving him another renewed burst of appreciation - one of life's many ironies, in that such an affecting song, Drake's softly keened singing and gentle strumming, could turn up in such a strange context. The remainder of the album follows the same general path, with Drake's elegant melancholia avoiding sounding pretentious in the least thanks to his continued embrace of simple, tender vocalizing. Meanwhile, the sheer majesty of his guitar playing - consider the opening notes of "Road" or "Parasite" - makes for a breathless wonder to behold. (Ned Raggett in AllMusic)